lunes, 16 de junio de 2014

practica 3

video




¡Bueno, aquí está la última práctica de Mashup! Hay que decir que no fue nada fácil sacar una idea para este montaje de vídeos, entre todas las del equipo hemos invertido varios días en elaborar algo similar a un guión y aún así se ha modificado durante el proceso hasta llegar a ser lo que se puede ver en la cabecera de esta entrada.
Una de las condiciones de las que partimos, fue la de mezclar fragmentos de vídeo encontrados por internet con material propio, para solventar la problemática de la iluminación, optamos en un primer momento por hacer un montaje a partir de cine en blanco y negro, pero esta idea se desechó rápidamente.

El tema a tratar fue el de la locura, algunas de las películas que vimos para este primer concepto fueron "Alguien voló sobre el nido del cuco", "El resplandor", etc.






Sin embargo cambiamos esto por algo que nos inspiraba más posibilidades, escenas de risas, y a partir de ahí repartimos una serie de películas y actores que pudieran valernos y tras ver películas y también series muy diversas.
                                   

Nos detuvimos a cortar las escenas y encajarlas como las piezas de un puzzle, lo que quedaba mejor, donde podíamos hacer multipantalla, y sobre todo, qué material debíamos gravar con la cámara.
Para esto, se presentaron voluntarias como actrices dos miembros del grupo, Cristina y Silvia, se gravaron sus escenas y se cortó lo más conveniente, se arregló la iluminación por medio de filtros del programa con el que trabajábamos, el Premier, y se ajustó el sonido para cuadrar el material propio con el reciclado de la red.
Al final, creo que la elaboración de este Mashup ha sido algo entretenido que nos ha llevado algún quebradero de cabeza, pero al tratarlo con un tema y escenas amenas para nosotras hemos conseguido hacerlo llevadero y practicar con el programa sin aburrirnos ni conflictos, llevando el trabajo a la par para el mejor resultado posible.

Practica 1

DESCRIPCIÓN:


La obra de Joanna Quinn, se compone de una serie de cortometrajes de animación en dos dimensiones, la primera en salir a la luz fue “Girl’s Night Out” que data 1987.
Además de sus cortometrajes ha hecho también comerciales para distintos países como Canadá, México y Reino Unido.

Su estilo se caracteriza por una expresión caricaturesca y estar realizados a mano sobre papel.








TEMA PRINCIPAL:

El tema principal de todos sus cortos es la situación social de la mujer. Su personaje principal y más característico, Beryl, es una mujer normal, fornida... con la que puedes sentirte identificada. A través de ella, muestra como la sociedad ha ido dejando a la mujer en un estado continuo de rutina doméstica, sin sueños, ni ambiciones. Por ello, sus cortos empiezan todos así, pero siempre hay una revolución, un giro en la situación en el que la mujer se arriesga, se deja llevar, desafía lo que los demás creen que debería hacer siempre y acaba demostrando que las mujeres son capaces de muchas cosas y de hacerlas bien. 





TEMAS POR CORTOS:

"Girl's Night Out" (1988)
 - Beryl es un ama de casa normal y corriente que se ocupa de los quehaceres de la casa y cuyo marido se sienta delante del sofá a ver la tele con una cerveza en la mano sin importarle nada, ni siquiera su mujer, cuando le dice que va a salir de noche con sus amigas a un club.
Aquí se muestra el trato de la mujer en casa y en la sociedad, reprimida a la vida doméstica, por ello hay una también se le dan las vueltas al ser mujeres quienes van a ver a un hombre medio desnudo. Por eso, parece ella inquieta pero se va relajando y disfrutando, hasta el punto de volverse una pícara.


"Body Beautiful" (1991)
-Beryl trabaja en una cadena de montaje y no le gusta ir a trabajar porque sus compañeras y superiora le hacen bullying por ser gorda. Ensayan para una función de cabaret y un concurso de cuerpo hermoso y se burlan de que no puede seguirles el ritmo. Hasta que un día, ve unas revistas de deporte masculino y ve que a ellos no les importa el físico, así que se apunta a un gimnasio de hombres. Durante un tiempo, hace ejercicio en casa, come sano, etc. y su marido y compañeras la ven rara pero no saben porqué. El día del concurso, actúan varios hombres incluyendo al superior y entonces aparece Beryl que ha estado poniéndose en forma, y demuestra que las mujeres con músculo también son hermosas. Que las mujeres no tienen porque ser delgadas, rubias, etc. sino que cada una es diferente y hermosa a su manera. Todo esto respaldado por el jurado que la nombra ganadora.
              

"Elles" (1992)
-Dos de las modelos de Toulouse Lautrec se divierten bailando, lavando una falda y comiendo pollo. La sensualidad de la mujer es bien patente en este corto, al igual que la diversión y la amistad entre dos modelos que trabajan juntas. También hace referencia a un famoso artista, enseñando una de las funciones de las mujeres en la historia del arte.



"Britannia" (1993)
-Inglaterra es representada por un perro orgulloso y fuerte pero curioso, primero con su propia isla (Escocia) y la de al lado (Irlanda), marcando su territorio con su camiseta en la que está representada la bandera británica. El mundo se vuelve para él un juguete hasta que se da cuenta de que hay gente en ello. La taza de té, es una característica típica de Gran Bretaña, y representa el poder que el mundo puede darle y que se vuelve adictivo. Igual que el dinero que está guardado como si el mundo fuera una hucha. También hace referencia al poder de la Iglesia católica, la religión practicante por excelencia. El perro se ha vuelto loco de poder, aprovechándose de las personas pobres e incivilizadas. Cualquier tipo de resistencia y de huir, es aniquilada, el perro (Gran Bretaña) es el amo del mundo. 
Hasta que se queda dormido, la gente consigue desembarazarse de él, el mundo se vuelve pequeño y se convierte en un perro pequeño, afeminado y llevando una correa.
Es un pequeño recorrido resumido del Imperio Británico tratado de forma irónica y caricaturesca.


"The Canterbury Tales: Wife of Bath" (1998) 
El corto cuenta el castigo que le imponen por violentar a una joven. Hace referencia a la dominación del hombre sobre la mujer, aunque también hay una vuelta de tuercas cuando la reina le manda encontrar lo que más quiere una mujer para que comprenda el mal que le hizo a la chica, ya que ahora es él quien ha de obedecer a lo que le dice una mujer. Cada hombre tiene una idea de lo que una mujer desea pero solo muestra lo poco que los hombres entienden a las mujeres. Al final, es castigado a casarse con una mujer mayor para que nunca envejezca y comparta lo que sería un matrimonio real, a pesar de que la mujer seguirá teniendo que cumplir con sus tareas de casada.


"Dreams and Desires: Family Ties" (2006)
La boda de una amiga de Beryl, la hace plantearse su propia vida. A través del vídeo casero de la boda, nos muestra los típicos estereotipos: novia agobiada, abuelo que chafa la fiesta, dama de honor grabando absolutamente todo, perro que no para quieto y molesta... Y el perro es también una metáfora de un bebé, alguien de quien cuidar, de quien estar atento, que no es consciente de sus actos... Por tanto, entre el perro y los querubines que se ríen y escapan de ella, muestran su deseo de ser madre.




RECURSOS VISUALES EMPLEADOS:

"Body Beautiful" (7’49 min.):
Comienza con una voz en voz y varias imágenes fijas con las que nos presenta el escenario y personaje principal, la fábrica y Beryl.
Por medio de los zooms resalta el logo de la empresa “Mishima” para darnos a entender que es una empresa extranjera, más concretamente japonesa.
En una primera escena, con las empleadas haciendo ejercicio se ve que la protagonista sigue un ritmo bastante más lento y costoso resaltando el esfuerzo de esta en comparación al resto del grupo, introduciéndonos al dilema del personaje.
Como transición, disminuye una escena convirtiéndola en otra nueva o bien hace corte en negro.
Usa los primeros planos  de acciones, como la cadena de montaje en la que trabaja la protagonista, con voces de las compañeras para poner al espectador en la piel del personaje, de modo que vea lo que ella ve, y escuche lo que ella escucha.
Emplea imaginaciones mezcladas con el ambiente real para expresar las emociones y sentimientos de la protagonista.
El color es empleado de manera que resalta de manera viva a los personajes sobre el escenario de fondo.
También muestra escenas de breve duración en las que introduce el paso de hojas del calendario para expresar el progreso del personaje en su entorno en un periodo de tiempo.
La exageración de los movimientos para dar expresividad y primeros planos del rostro para mostrar las expresiones de los personajes.
Hacia el final del video, utiliza deformaciones exageradas que complementan el discurso de la protagonista junto con una canción alegre y dinámica.

"Elles" (3’06 min.):
En el video nos inicia con un fondo negro de letras blancas, títulos que nos situa en el museo D’Orsay , mediante el sonido de pasos y un zoom en el escenario del museo, nos convierte en espectadores y personaje que se aproxima a mirar el cuadro presentado de las dos modelos pintadas.
Después de esto, al alejar el zoom y con la ayuda de un empleo escaso de color, des saturado y principalmente blanco y negro, cambia el escenario y nos convierte en un espectador ajeno al espacio y tiempo que vemos, mostrando el tiempo pasado, momento en que se realiza la obra de arte a modo de flash back.
Utiliza también visión parcial del cuerpo, los personajes de las modelos se dibujan con líneas inacabadas y sugerentes, de movimiento muy fluido.
Mediante primeros planos muestra expresiones faciales y acciones concretas (como la acción de morder el pollo o llenar la taza de café, etc).
Finaliza el flash back fijando la imagen y transformándola de nuevo en el cuadro, volviendo al escenario inicial del museo.

"Girls night out" (5’55 min.):
Comienza con un primer plano cercano de una acción (la protagonista trabajando en cadena en alguna empresa pastelera). Hace uso de la escena cotidiana (fregar los platos) para presentar al personaje.
En este caso, se ha introducido la imaginación por medio de un bocadillo en el que se introduce después.
Los colores a los que recurre son vivos y resaltan los personajes.
Mediante la representación de un mapa expresa el desplazamiento del personaje desde donde se encuentra.
Hace uso como en el resto de sus videos de una exageración anatómica, caricaturesca y de aire cómico.
Las escenas intermitentes recrean el ambiente del club de streptease, oscuro y con un foco amarillo que ilumina al bailarín.

"Britannia" (5’05 min.):
Comienza con un plano al detalle y primeros planos del perro que representa al imperio británico siguiendo las órdenes de una voz femenina.
En este punto usa el color en zonas concretas como en la bandera británica, para completar el significado de la metáfora.
Para expresar el aumento de poder del imperio británico, incrementa el tamaño del animal encogiendo a su vez el tamaño del globo terráqueo hasta reducirlo al tamaño de una pelota como si se tratase de un juguete del perro.
Usa planos con narrador en primera persona para expresar el punto de vista del animal del mundo.
Para reforzar la idea de la sociedad inglesa el perro sufre transformaciones (en una señora que toma el té).
Representa la mano enorme del animal al lado de los diminutos habitantes de la tierra sufriendo su juego, para expresar el abuso del imperio en la historia. Hace un símil del mundo con una caja fuerte cuyas riquezas devora el imperio enloquecido y codicioso. Así, sufre más transformaciones como en banquero y religioso, etc. y devora diminutos humanos sin compasión.
Para representar la pérdida de poder, el perro va encogiendo de nuevo su escala y se transforma de raza estando al servicio de una señora corriente, nos introduce así en una ciudad en la que muestra transeúntes de distintas partes del mundo ya no sometidas al imperio, caminando tranquilamente dentro del país.

"Canterbury tales: Wife of Bath" (6`08 min.):
Comienza de forma inusual con stop motion, mostrando a una narradora ajena a la historia que cuenta y a la que nos introduce mediante una transición sencilla para mostrarnos ya la animación de estilo característico en 2 dimensiones.
Emplea colores cálidos para la dama virgen, entonada de forma armónica con el entorno. También resalta el color en la flor que enfoca cayendo en primer plano junto con la mano para resaltar la metáfora que emplea.
Incluye también en este video como en los demás, dialogo de los personajes.
Planos en los que se muestra al caballero y parte de la reina que se sale de dicho plano, mostrando las expresiones de él al escucharla.
Primer plano de las patas del caballo corriendo para expresar un largo tiempo de viaje entre los cuales también muestra diferentes escenas que entran dentro de ese periodo de tiempo, momentos puntuales a destacar de dicho viaje.
 También exageración grotesca de la anatomía de la anciana.
Cambia de escenario para mostrar de nuevo la corte, y muestra un plano al detalle de la mirada del caballero expresando misterio y decisión. Además, otro plano al detalle de la boca de la anciana para resaltar la petición desagradable de ésta.
Emplea como en otras ocasiones, primer plano de acciones (llevar copas, etc.) que ayudan en la narración de la historia.
Cambia de escenario esta vez de forma particular, por medio de la ventana de cerradura para introducirnos hacia el interior de la habitación.
Usa imaginaciones mezcladas con la realidad expresando gráficamente el discurso de la anciana.





ESTRUCTURA Y ELEMENTOS QUE INTERVIENEN

Analizaremos en este punto, la estructura de algunos de los coros de Quinn y de la estructura que siguen y de cómo consigue la directora esa organización narrativa. En general, podemos decir que sigue estructuras lineales y en algunos casos cíclicas, pero a continuación analizaremos algunas obras concretas.

Empecemos por "Girl's night out" (1988), donde nos encontramos ante una estructura de nuevo lineal, pero también cíclica: ella empieza siendo ama de casa en la introducción del libro, pasa a ser una mujer divirtiéndose durante el desarrollo y vuelve a su casa, aunque algo más animada, a seguir con su vida.

"Body beautiful" (1991), un corto de dos partes de unos 8 y 5 minutos respectivamente, comienza la historia remontándose mediante fotos a como erna en un primer momento los personajes. A partir de ahí comienza la animación propiamente dicha que empieza con la protagonista resistiéndose al ejercicio y más tarde adentrándose casi en el mundo de los esclavos del deporte, que se ve interrumpida de vez en cuando por pequeñas secuencias dentro de la imaginación de los personajes, en los que se explican los sentimientos de los mismos en esos momentos o el porqué se sienten así. Justo cuando llega a la parte en la que se acoge a la norma de hacer ejercicio, la animadora decide aligerar el ritmo narrativo mediante una secuencia rápida de imágenes que indican el paso de un largo tiempo dentro de la historia en un corto lapso para el espectador. Pero, a parte de estos breves excursus y la aceleración de ese tiempo, en líneas generales hablamos de una linealidad en cuanto a la estructura narrativa se refiere en la primera parte.
En la segunda parte del corto, de 5 minutos de duración, se divide en participantes, cada participante es una especie de cápsula narrativa dentro del concepto global de concurso de belleza, solo alterado por el hecho de que los cuatro primeros participantes son hombres y la quinta, nuestra protagonista, una mujer, que además añade un número musical que dota de mayor viveza y velocidad a su actuación, que acaba con su triunfo, que se convierte en el clímax de la historia, y la salida decepcionada de su contrincante en contraposición.



"Elles" (1992) tiene una estructura lineal y la intensidad (muchas veces gracias al sonido, tema que se tratará en otro apartado) sube y sube, hasta que llegado cierto punto decae y finaliza la historia en el mismo espacio en el que comenzaba.

Por su parte, "Britannia" (1993), el corto sobre el colonialismo inglés, tiene una estructura lineal de lo que podríamos decir "ascenso y descenso". Empieza con el perro dándose cuenta poco a poco de sus capacidades, va aumentando su poder y, cuando ya lo ha dominado todo, esto sobre lo que se había elevado, se vuelve contra él, haciéndolo caer de nuevo y convirtiéndolo en un perro faldero. 

Otro tanto de linealidad podríamos aplicar a la estructura de "The wife of bath" (1998) y creo que aún con más razón, al estar basado en un relato ya escrito, salvo por la excepción en cuanto a los demás cortos de que en este, quien cuenta la historia es una monja, que es un personaje del corto, pero que sin embargo no participa directamente de la historia. Esto se concoe como estructura de "cuento contenido". Por eso, diferenciamos en este corto dos grandes partes, la de la monja narradora, quien se remonta a la historia antigua de Bath y junto con el final, ya que es ella quien cierra la narración, y una parte central que es la que cuenta el cuento propiamente dicho y que tiene una estructura lineal, de introducción, desarrollo y desenlace, recurriendo a elementos como la repetición de escenas muy parecidas (cuando el caballero va preguntando que qué es lo que más desea una mujer, lo hace tres veces). Cabe destacar también, que para diferenciar lo que es el cuento de la narración externa, construye la parte del relato con dibujo de línea suelta y la de la monja con stop motion de figuras de plastilina.

Finalmente, en "Dreams desires and family ties" (2006) nos topamos con la estructura de la obra dentro de la obra (el sueño dentro del sueño en este caso) que revolucionó el mundo del teatro de la mano del grandísimo escritor también británico William Shakespeare (vid "Hamlet", donde dentro de la propia obra encontramos la obra "la Ratonera"). Así, el corto comienza con un sueño de la protagonista que será la narradora en primera persona y el personaje desde cuyo ángulo vemos lo que ocurre, para finalmente descubrir que toda la acción del corto es en realidad otro sueño. Tenemos aquí además una narrativa cíclica, ya que el corto comienza con la protagonista despertando y acaba con ella en el mismo punto. Por otra parte, la estructura del corto está también marcada por la misma protagonista, quien nos da las horas, señalando el paso del tiempo.
Podríamos dividir también la estructura de la obra en dos, teniendo en cuenta a los narradores: una primera y tercera parte en la que narra la mujer y otra central en la que, con el camio de posesión de la cámara, es el perro quien se convierte en narrador.




MÚSICA

Joanna Quinn no es muy dada a utilizar música extradiegética, es decir,  música que sea en off y que está más relacionada con la emoción del espectador, del ambiente, que con la de los personajes; como podría ser por ejemplo la música que suena cuando una pareja se besa y que trata de conectar al espectador con el emotivo momento. Sin embargo, cuando la usa es para introducir al espectador en un ambiente en concreto. Por poner un ejemplo: en el cortometraje "The Wife of Bath", la música extradiegética que se escucha no es otra que los sonidos relacionados con la época en que se ambienta la historia: música de coros, medievales,... que trata de poner en situación al espectador. Aunque también utiliza música "cliché" como puede ser la usada en el bar en "Girl's Night Out" para presentar al hombre de manera sensual o el himno británico en "Britannia".

La música diegética, es decir: la relacionada directamente con el personaje y no con el espectador, que utiliza es mucho más clara que la extradiegética ya que el sonido usado es, antetodo, las voces de los dobladores y quizás algún sonido de animal u objeto como abrirse la puerta o las jarras de cristal.



CONTEXTO HISTÓRICO, SOCIAL, ECONÓMICO Y CULTURAL

Joanna Quinn, directora británica de animación, nació en 1962, luego hemos de hablar de ella dentro del contexto de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, no solo hablaremos de su contexto más actual, si no también de lo que acaeció antes, pues de la historia también vive la obra de esta autora.

En cuanto a pasado histórico que haya podido recaer sobre Joanna, por su origen británico, es el de la propia historia de Reino Unido. En su corto, "Britannia", encontramos una feroz crítica al colonialismo inglés tanto en África como en la India. Recordemos que esta etapa imperialista de los ingleses, se dio durante el siglo XIX. Los países europeos se repartieron diversos territorios (entre ellos África, donde se llevó a cabo una carnicería geográficamente hablando, y partes de Ásia) y Reino Unido se quedó con la India, territorio que les permitía controlar la entrada al continente y los países africanos Egipto, Sudán, Kenia, Uganda, Zimbabue, Zambia, Botsuana, Unión Sudafricana ,Gambia ,Sierra Leona, Nigeria, Ghana y Malaui. . El menosprecio hacia estas culturas y estos paises, por ser considerados primitivos, toscos e incivilizados,   es el tema del corto de animación ya citado y un tema recurrente en diversos ámbitos del país. Finalmente, y por medio de la resistencia pacífica, Mahatma Gandhi logró liberar a su pueblo de la supremacía inglesa y devolverle, teóricamente, el poder a los indios y lo mismo con los otros países que mediante revoluciones (en ocasiones virulentas) y acuerdos se deshicieron del yugo inglés.

Por otra parte, la literatura inglesa está presente también en su producción, como bien se puede ver en su corto "The wife of bath" (cuento de la esposa de Bath). inspirado por uno de "Los cuentos de Canterbury", de Geoffrey Chaucer, autor inglés de la Edad Media, y que tiene importancia por ser la primera obra escrita íntegramente en inglés.


Volviendo a tiempos más actuales, la segunda mitad del siglo XX aparece ya marcada por las dos guerras mundiales, que asolaron mayoritariamente los países occidentales y, más concretamente Europa, y cambiaron la historia del mundo. Tras estos dos grandes acontecimientos bélicos, Europa comenzó a rehacerse, no pudiendo sin embargo obviar toda la sangre derramada y el dolor de la guerra. La sociedad cambió y fue en esta nueva donde se criaría la futura animadora.

Vemos en su corto "Dreams and desires family ties", un corto sobre el mundo de los sueñosinfluencias del surrealismo, de los primeros maestros del cine y de un clásico; en el minuto 7:53 aparecen en la esquina superior derecha tres libros: uno sobre el surrealista español Luís Buñuel, otro sobre el francés Georges Mélies (uno de los pioneros del celuloide) y el clásico del cine de suspense, Alfred Hitchcock.

Y como mujer de este nuevo mundo surgido a partir del desastre, en el que no solo cambió el mundo, si no también la posición de la mujer en la sociedad, deja ver la influencia que tiene de los movimientos feministas en sus temas utilizando el desnudo (incluso integral) de mujeres con cuerpos reales, no esqueléticos, más parecidos a los de Rubens que a los de cualquier modelo actual y desde una mentalidad totalmente abierto. Sus mujeres salen de fiesta, se divierten y son imperfectas, son caricaturas que "desaprincesan" la figura de la mujer y la llevan hacia la realidad.

Vemos aquí, a una mujer del siglo XXI, de mentalidad abierta, trabajadora



CITAS
He aquí algunas de las citas que ha dicho y han dicho sobre Joanna Quinn:

-“Animating Women with Emotions is Easy” - “Animar mujeres con emociones es fácil”
http://www.cartoonbrew.com/ideas-commentary/joanna-quinn-says-disney-animators-commentsare-complete-rubbish-animating-women-with-emotions-is-easy-89627.html


- Dicen de ella que es humildad y talento en el mundo de la animación.

- ¿A quién admira Joanna? Admira a la animadora checa Michaela Pavlatova por suanimación:
“Czech animator Michaela Pavlátová's first film Words, Words, Words is a beautiful, funny pieceabout communication – without any dialogue. What struck me was how inventive she was. I was inspired by her bold sense of design, which continues the strong Czech graphic poster tradition.Her work is honest, funny and uninhibited; it is very un-British, particularly in the way she deals with relationships and sex. Her latest film, Carnival of Animals, is bursting with wit, colour and vitality. Being the same age, I feel our lives have followed parallel paths. This year, we finally met at a film festival in the Czech republic and interviewed each other on stage. She was as mischievous and charismatic as I thought she would be, with a delightfully wicked sense of humour.”

“La primera película de Michaela Pavlatova, Words, es preciosa, una cómica pieza sobre la comunicación sin diálogo. Lo que más me impresionó es lo iventiva, imaginativa que es. Me inspiraron su sentido del diseño, ligado profundamente al diseño de poster tradiconal checos. Su trabajo es honesto, divertido y desinhibido, muy anti-Británico, particularmente en la manera en que muestra las relaciones y el sexo. Su última película “Carnival of Animals” es una explosión de ingenio, color y vitaliadad. Siendo ambas de la misma edad, siento que nuestras vidas recorren caminos paralelos. Este año, finalmente nos conocimos en un festival de cine en la República Checa y nos
entrevistamos en el escenario. Ella era traviesa y carismática, tal y como pensé que sería, con un maravilloso sentido de humor”

- Eslogan de algunos de sus animaciones.
“Algunos seres maquinan mientras otros sueñan. ¡Las maquinaciones y los sueños son una parte fundamental del trabajo creativo!” (Wells, 2007: 6).

-Palabras de Maria Susana García Rams (Comisaria de la exposición “Joanna Quinn: Arte vs Animación” y profesora en la Facultad de Bellas Artes de la UPV):
"Joanna Quinn es una persona fascinante. Lo primero que conocí de ella fue su obra. Era el año 1999y estaba desarrollando mi Tesis Doctoral: Alquimia femenina y animación. Su trabajo junto con el de Alison de Vere fueron trascendentales para mi investigación. Ambas creadoras me atraían poderosamente. (…) Pero ahora tras todo ese tiempo añadiría: y una gran mujer en la que la sencillez es tan grande como su talento."

http://blog.cinemajove.com/joanna-quinn/


- Palabras de un alumno, Daniel Suárez Pérez, que estuvo en una masterclass con Joanna:

"Joanna nos dio un consejo especialmente útil para quienes, como era nuestro caso entonces, están empezando a animar. Nos dijo que no debíamos reparar en utilizar cuantos trazos estimáramos oportunos cuando estuviéramos realizando el boceto de la animación, ya que no era en el acabado de los dibujos en sí mismos en lo que debíamos centrar nuestra atención, sino en el propio movimiento que pretendíamos crear. Es decir, en la propia animación.El motivo es que, cuando se está empezando a animar, no se adquiere plena consciencia de ese hecho tan simple hasta que se han rodado los dibujos que se han hecho y se han visto en la pantalla, pasando uno detrás de otro,
creando la ilusión óptica de movimiento. Y es este concepto, el de la animación en “estado puro”, el que, de alguna manera Joanna lleva a su máxima expresión, en su magnífico corto ‘Dreams and Desires: Familiy Ties’, en el que todo es movimiento."



ENTREVISTA


Interview - Questions and answers
Analysing the elements involved in animation.

Thematic.
How do you end to the thematic? Have you any preference when working inanimation? Do your works intend to provoke any reaction to the viewer?
I work with my partner Les Mills and we plan our films around themes that are
either familiar or important to us. We always like the themes to be 'real' and
situations that the audience will identify with.
The themes are very much from a woman's perspective and ones that we hope will have a resonance with the audience. Yes we do like to provoke the audience - but I am more nervous about this than Les!

Structure and elements involved.
What material do you usually use while working? Do you make a draft before begining the final animation or do you make the final animation from the skecths? Sketches are done for every scene and environtment?
I work from Les' scripts and do rough storyboards. The drawings are small and
quite quick. 3B Pencil on paper. I then enlarge these drawings in a photocopier or computer and print out larger versions - these become my layout drawings. I make them the size that is best for drawing. These are the drawings I then animate from. I believe it is important to stay as close as you can to the initial sketches in the quick storyboard because they have all the life and vitality.

Visual resources used.
Do you try to use camera frames and compositions based on cinema cámara shot? How do you color the animations? Have you used animation techniques such as rotoscopia? How is ilumination used in your animations? For what purpose beside iluminating the scene?
I do try to use visual reference for everything I do. I use a mirror for facial
expressions and body shape. I use my phone to film movement so I can analyse the patterns in the movement and understand the patterns in the movement. I don't 'trace' the filmed footage directly as this would create a different look and is unnecessary. I have used rotascoping in some animation I did for a documentary about Goya. I rotoscoped a bull in a bullfight. The style of the rotoscoped animation was very suited to the piece in this case, because it was realistic. The lighting of a film is not something I think about much. I'm less concerned with this. I often use a darker vignette around the outside to bring the eye into the action, but I don't really play or explore lighting.

Music.
How important is to use music in your animations? In which situations is it used? Do you record your sound yourself or do you use from sites or other people?
The sound and music is very important to us. Les loves to make all the effects
himself and we use composers and musicians for the music. However we do not like to put music across everything and prefer to use it when it is relevant. We don't like to use music as atmosphere - we prefer to use sound effects. To use music in a blanket fashion distances the viewer from the action.

Context.
Have your ever considered yourself to be in an specific art movement? Who does you influence the most?
I am aware that animation generally goes into 2 camps - ART or ENTERTAINMENT. I believe my films are art because I make them with love not for commercial gain but they also entertain!
Quotations.
Some phrases your use for yourself or to “boost” your work from books, films, other artists,… Do you know any important animation artist? Have your ever had in mind to make a film?
Animation is a very small world and there are many artists that I admire. The one artist I admire the most and I feel a sense of camaraderie with is Michaela Pavlatova. Her animation, her choice of subject matter, her freedom, her careful timing, are all elements I admire and try to live up to. I would very much like to make a feature film but I cannot ever see myself doing that. I really like the short film format although I wish more people saw short films.
Joanna Quinn March 2014



CONCLUSIÓN

Lo que nos ha enseñado este trabajo sobre Joanna Quinn es que no hace falta ser siempre muy limpio para conseguir el movimiento y expresar emociones, ya que ese tipo de línea puede ser muy valorativa y dar pie a la expresión de muchísimos sentimientos.




APÉNDICE

FILMOGRAFÍA

http://www.imdb.com/name/nm0703885/

PREMIOS

http://www.imdb.com/name/nm0703885/awards?ref_=nm_awd

PODCAST

http://www.skwigly.co.uk/skwigly-at-baf-day-2-joanna-quinn/



CONFERENCIA EN LA UPV

https://archive.org/details/ConferenciaJoannaQuinn


DONDE ENCONTRAR A JOANNA

Web de Joanna Quinn 

Linkedin de Joanna Quinn

Twitter de Joanna Quinn


Canal de Youtube Joanna Quinn https://www.youtube.com/user/BerylProductions

martes, 29 de abril de 2014

Apuntes


  • Teóricos:

-Nicolas Game: Defiende la interactividad como característica de los nuevos medios.
(Video documental: 5 condiciones) Trata de las diferentes formas de abordar un tema.

-Lev Manovich: Teórico y artista. Rechada la posición de Nicolas acerca de la interactividad.
Todo es un conjunto de 1 y cero, código binario.

  • Periféricos: procesar, almacenar y extraer datos.

 - De entrada
 - De salida
 - De entrada y salida
 - De almacenamiento

  • Imagen:  (fija, en movimiento, o interactiva).
-Imagen fija: Sin posibilidad de alteración.

- Imagen en movimiento: El tiempo de percepción es el del vídeo, se puede interferir en el mediante el pause, player, ect. (cine, animación, etc.)

- Imagen interactiva: imagen en movimiento con la condición de la actuación del espectador al alterar los datos en cierta medida, de los datos que la componen.


  • Animación: es autoreferencial, tiene distintos niveles de representación, hace referencia a su propio modo de hacer. (Ej. una película que habla de cómo se hace una película, una animación acerca de como se hace una animación, etc.)
  • Cine digital (Según Lev Manovich)
- Manipulable, hecho a mano.

- Se retoma la imagen hecha a mano y recursos de la animación que habían quedado en el olvido.

  • Stop Motion: manipula un objeto físico de fotograma a, generando una continuidad.
  • Pixilación: muestra la discontinuidad, suprimiendo fotograma fotogramas intermedios para crear una sensación de inverosimilitud, y movimientos irracionales.
  • Retroscopia: imagenes manipuladas en fotoshop y llevadas a premier.


Komaneko

viernes, 25 de abril de 2014

Como crear a tu dragón

¡Buenas! Prometí que me pasaría con más detalles sobre el Stop Motion y aquí estoy, dispuesta a contaros uno de los puntos en los que más me he divertido y que he titulado "Como crear a tu dragón" y es que no es un trabajo en el que se inviertan pocas horas.
Antes de empezar, se hicieron varios bocetos útiles para ver las piezas que se han de sacar.
Bien, para empezar hago una lista de los materiales que empleamos para hacer a nuestro protagonista:

1. Leotardos rojos de los chinos (o cualquier tipo de tela preferiblemente algo elástica)
2. Cartulina.
3. Tijeras y pegamento.
4. Alambre y alicates
5. Algodón, aguja, e hilo.
6. Botones

Paso 1:


  • Primero se dibujan las piezas en el trozo de tela que vayamos a usar, hay que tener en cuenta que son dos piezas para formar cada parte, es decir, dibujamos dos veces el cuerpo, los veces la pierna izquierda trasera, dos veces la derecha, ect.
  • Una vez recortadas las piezas, empezamos por ejemplo, juntando las dos piezas que harán la pata izquierda trasera, la cara que ponemos hacia fuera es la que no queremos que se vea después. Entonces empezamos a coser ambas piezas entre sí por el borde. Dejando un trozo abierto sin coser.
  • En nuestro caso, al utilizar un leotardo, lo que hicimos fue cortar el trozo del pie para hacer el cuerpo central, con lo cual no hizo falta hacer dos piezas.


Paso 2:


  • Cuando tenemos las dos piezas cosidas, aprovechamos (perdón por la falta de ortografía en el dibujo) el hueco sin coser para darle la vuelta como si fuese un calcetín, de este modo, queda hacia afuera la parte que queremos que se vea y oculta la costura y el recorte de la pieza, para mayor discreción, es preferible que el hilo empleado sea del color de la tela.
  • Metemos algodón por el hueco a las piezas a modo de relleno.
  • Nosotras introducimos también algo de alambre a cada pieza, para poder mover las extremidades y que se queden fijas para el Stop Motion, pero no es realmente necesario.


Paso 3:



  • Se cosen las extremidades al cuerpo asegurándose de que queden bien fijas.

Paso 4:


  • Para hacer las alas, lo que hicimos fue trenzar alambre fino con la ayuda de los alicates, haciendo dos trenzas (una para cada ala) que doblamos por la mitad y acabamos enroscando en espiral para evitar pincharse.
  • Cogimos cartulina e hicimos dobleces iguales, al estirarlo la cartulina queda con pliegues escalonados. Plegamos la cartulina a modo de abanico y pegamos el extremo derecho e izquierdo a la trenza de alambre.  Repetimos este paso para hacer la otra ala.


Paso 5:

  • Cosimos el extremo del alambre que no va en espiral al cuerpo del tragón.
  • Cosimos botones en el rostro del dragón que hiciesen de ojos y virutas de aluminio enroscado para hacer los cuernos (también podría haber sido alambre, por ejemplo)
  • Para hacer la boca y las garras, lo que se hizo fue coser hilo negro en zig-zag.


¡Fin!:

¡Listo para la sesión de fotos!

domingo, 20 de abril de 2014

Stop Motion "Brain Storming"

Stop Motion:
El Brain Storming:
Acerca de este trabajo práctico, vengo a contaros la experiencia y proceso que dio lugar al cortometraje de Stop Motion "El dragón de las taquillas" que presentamos en clase las ultimas clases y que podréis ver en el blog o directamente en Youtube.
Comenzamos con un Brain Storming (en castellano, "lluvia de ideas") anotando las cosas que queríamos que tuviese nuestro cortometraje, así como un dragón como protagonista, galletas, etc. Dicho corto esta realizado en la Facultad de Bellas artes de la Politécnica de Valencia, que toma como escenario principalmente, la cafetería, las taquillas y zonas próximas. Tras establecer la trama en una libreta, que se modificaría a lo largo de la realización del corto,se dibujaron lineas temporales y comenzó la creación del personaje que os comentaré de forma detallada.